Espace Européen pour la Sculpture

Piet.sO

2011-09-02T10:18:00.002+02:00

L’Espace Européen pour la Sculpture asbl
à l’occasion de la Présidence polonaise de l’Union européenne

présente

Quand le bois dort, les souvenirs dansent

une exposition de Piet.sO

du 27 septembre au 15 décembre 2011

Télécharger le dossier de presse ici

PRINTEMPS 2011 à l'ESPACE EUROPEEN POUR LA SCULPTURE (EES asbl)

2011-05-15T10:32:00.008+02:00

SAYNETTES CAMPAGNARDES

Il était une fois… Non . Il est toujours un homme des arbres et des prairies, à la rencontre de l’humain et de l’animal. Des fois, les nuages le mettent en rêve. Il regarde les paysages de haut, pas de très haut afin de voir les détails jusqu’aux mouvements de respiration de tout ce qui est vivant : humain, animal et végétal . Qu’est-ce que l’homme - plus souvent la femme - , la bête - en général la vache - et le paysage - bois, prairies, vergers - peuvent bien se raconter. Roland lève le voile dans ses ateliers installés dans un château dont quelques murs sont en pierre mosane. Son langage est surtout en plâtre, un alphabet qui se travaille facilement et qui est mobile, plus que le bois et le bronze auquel quelques chapitres sont également consacrés. A vrai dire, ce ne sont pas des chapitres mais des sculptures, grandes ou petites, qui sont des saynettes .
Il arrive que Roland s’occupe de ses pommes, des milliers, des millions . C’est le fruit qui a causé le péché d’Adam dans le paradis terrestre . C’est Pâris qui donna la pomme à Vénus afin qu’elle l’emporte en beauté sur les autres femmes. Ces femmes sont dans les sculptures de Roland. Où est ce Roland qui se cache derrière elles, en vétérinaire qui soigne les animaux? Peut-être est-ce un autoportrait .
Même là , des malheurs arrivent, comme la vache morte foudroyée . On a envie de crier sur la sculpture funéraire comme l’aigle sur un rocher, comme “ Zieke - Mieke” ou “ Mal au Dos” ou “Faire la Vache” Toutes les sculptures en plâtre ont un “Mars” dans le ventre. C’est une récompense pour le môme qui a bien travaillé. Qui sait, mais il y a de quoi en douter, car l’intention de l’artiste est ailleurs. “Mars” continue à faire le tour du monde. Quelle promotion! Il en faudrait de même pour l’art . En plus, les créateurs de “Mars” sont devenus très riches grâce à leur “oeuvre " La relation entre l’homme et l’animal est émouvante. Les sculptures de Roland ont aussi la vocation de créer un dialogue entre le monde paysan et la trépidance urbaine. Son intention est simplement utopique avec des connotations naïves dans des méandres académiques . L’enfant et l’intellectuel se rencontrent en particulier dans des images peintes sur les sculptures. Un délice à partager dans l’intimité de l’amour et de l’art.

Jean-Pierre Van Tieghem,
18 avril 2011

Exposition Koen Vanmechelen

2010-08-04T14:13:00.015+02:00

Du 8 octobre au 15 décembre 2010, les oeuvres de Koen Vanmechelen investiront l'Espace Européen pour la Sculpture dans le Parc régional Tournay-Solvay à 117O Bruxelles (Watermael-Boitsfort).

Cette exposition : " COSMOPOLITAN CHICKEN - DIVERSITY " est organisée par l'EES asbl. Elle s'inscrit dans le cadre de la Présidence belge de l'Union Européenne, de l'année de la biodiversité et des vingt ans d'activités de l'Espace Européen pour la Sculpture.
Il s'agit d'une initiative placée sous le patronage de Monsieur Herman Van Rompuy, Président du Conseil Européen.

Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel internationalement reconnu. Il présentera ses installations dans le superbe écrin de verdure que représente le Parc régional Tournay-Solvay.
Son travail est le reflet de ses recherches scientifiques consacrées aux poulets, aux races existantes, à leurs croisements et aux manipulations génétiques.
Par ce biais, l'artiste aborde des questions fondamentales d'éthique qui touchent au respect des êtres dans leur différence, à l'éternelle quête de la perfection et à notre rapport avec la nature.
Koen Vanmechelen rapproche de façon troublante le monde des humains et celui des hommes à la manière de Fellini dans une scène célèbre de son film "E la nave va ". Le doute , le vertige, s'insinuent dans l'esprit du spectateur : où est la frontière entre l'humain et le monde animal et si les apparences n'étaient que trompeuses ? Jeu du miroir, des mélanges et des illusions...

Le " Cosmopolitan Chicken " est un super bâtard ( dixit Koen Vanmechelen ), résultat final d'un programme de croisement qui prit des années de recherches.

Visitez le site Internet de Koen Vanmechelen.

- Entrée libre tous les jours dans le Parc qui accueillera cinq grandes installations de Koen Vanmechelen. ( Ouvert de 9 à 17 h.)
- Entrée libre dans la " villa blanche " où le public pourra découvrir une sixième création de l'artiste belge, du mercredi au dimanche de 14 h. à 17 h.

Commissaire de l'Exposition : Willy Van den Bussche

Tél /rép . 02 / 660 99 80 - mails : eesculpture@gmail.com - francoise.engel.eesculpture@gmail.com . Blog : http://eesculpture.blogspot.com

"SYMBIOSE" : photo © Koen Vanmechelen

"Blow Up" de Bernardi Roig

2010-04-20T20:41:00.005+02:00

Exposition organisée à l’occasion de la Présidence espagnole de l’Union européenne par l’Espace Européen pour la Sculpture.

Sous le patronage de Madame Evelyne Huytebroeck, Ministre de l’Environnement du Gouvernement de la Région Bruxelles –Capitale

Commissaire de l’exposition : Willy Van den Bussche
Conservateur en Chef honoraire du PMMK d’Ostende
Conservateur du Musée Constant Permeke de
Jabbeke

Adresses : Parc Régional Tournay-Solvay,
201 chaussée de la Hulpe à 1170 Bruxelles
tél. : + 32 660 99 80
simonduchastel.mailto:eesculpture@skynet.be
www. eesculpture.blogspot.com

Date du 28 avril au 11 juillet 2010
vernissage : 27 avril à partir de 18h

Contenu parc régional : installation de sept sculptures
« Blow Up » à pister
villa du parc : exposition de douze dessins projets de
Blow Up, 2009 – 2010,
crayon et collage sur papier, 100 x 70cm et 70 x 50cm

Livre d’artiste : catalogue de deux cents pages, nombreuses
reproductions , tirage 700 exemplaires

Accès : libre et gratuit
parc de sculptures, tous les jours de 8h15 à 20h30
villa et dessins , du mercredi au dimanche de 13h à
18h
parking :à l’entrée du parc gare de Boitsfort

Mobilité : SNCB : arrêt station Boitsfort
tram 94 : arrêt gare de Boitsfort
bus 41 : arrêt Coccinelles, longer la chaussée de la
Hulpe sur 100m en direction de la gare de
Boitsfort

Exposition Jacques Moeschal : du 23 septembre au 13 décembre 2009

2009-09-09T10:34:00.051+02:00

L'Exposition Jacques MOESCHAL est une initiative placée sous le patronage du Premier Ministre, Monsieur Herman Van Rompuy, de Monsieur José Manuel Barroso, Président de la Commission européenne, du Ministre Emir Kir en charge de la culture à la COCOF et de Madame Martine Payfa, Bourgmestre de la Commune de Watermael-Boitsfort.

en savoir plus sur Jacques Moeschal...

"Picto - Arc- Bug - etc..." Miroirs & Aciers - Pierre Marie Lejeune

2008-11-14T00:10:00.020+01:00

album des visiteurs de marque

A propos de Pierre Marie Lejeune.... Né en 1954, Pierre Marie Lejeune se définit comme un sculpteur-dessinateur. Boursier de la Villa Medicis hors les murs en 1983, il séjourne une année à Louxor. Naturellement son intérêt se porte vers la sculpture. Sa rencontre déterminante est celle de Niki de Saint Phalle dans les années 80. Leur collaboration, durant de nombreuses années, ne fera que conforter sa démarche.

Depuis lors, il n'a cessé de développer un répertoire de formes qui s'apparente à l'écriture d'un alphabet virtuel. Ses matériaux de prédilection sont l'acier, le verre, la lumière et l'eau. Refusant toute concession à l'ornement. Radicalité, rigueur et pureté des formes sont le point commun à ses sculptures.
Ces dernières années, Pierre Marie Lejeune a exposé au Mamac (Nice), à l'arsenal de Metz, au National Museum of China (Pékin), Metz, Boulogne-Billancourt, Auvers-sur-Oise.
Il a réalisé de nombreux projets, commandes et expositions en Europe (Allemagne, Belgique, Italie, France), aux États-Unis et en Chine où il est représenté par Pearl Lam (Contrast Gallery) qui lui a organisé trois expositions importantes en 2006 et 2007 à Shanghai et Pékin.

Itinérance à travers le parc... Le principe est de rendre le parc à lui-même en créant un parcours-promenade ou quatorze sculptures sont représentées en huit lieux. Chacune de ces étapes propose une ou plusieurs pièces. Plusieurs de ces pièces, créés spécialement in situ, utilisent parfois un ou plusieurs arbres présents sur le site. Le matériau référent à toutes ces pièces est le miroir. Selon le sculpteur, la découverte des pièces dans le parc n'obéit pas nécessaire à un itinéraire préétabli mais fait que le visiteur-promeneur peut à son gré prendre un chemin de traverse, un sentier tangentiel, pour se perdre un peu et découvrir ses œuvres de façon plus improbable... et plus efficace émotivement.
Le miroir rend au parc un réel défragmenté et reconstruit suivant la lumière, la végétation le tout dans un prisme au reflet changeant et infini...

Paradigmes, héliographes et paraboles. Extraits du texte de Jean-Pierre Van Tieghem : Plus il y a de miroirs, plus il y a de réalités, raconte Louise Bourgeois. Comme ils sont inclinés, dirigés dans les directions différentes, personne ne regarde ce que voit l'autre. Ils transforment les images. Le spectateur qui observe l'œuvre, en même temps que l'espace autour, entre et fait partie du travail de l'artiste. Une surface monochrome et lisse comme certaines œuvres d'Yves Klein ou de Gerhard Richter, intègre le profil de la personne présente en face-à-face. Une évidente réflexion existe dans le travail d'autres artistes, comme chez Pistoletto, parfois chez Buren, Dan Graham ou Roni Horn avec Opposite of White en dialogue avec Portrait of an Image. Dans les sculptures de Pierre Marie Lejeune, le miroir et l'acier inoxydable ne sont jamais vides. Ils captent les gens qui passent, attentifs ou pas et malgré eux.
L'autre du moi, même. L'art de Lejeune serait-il un jeu dangereux ? Amoureux de sa propre image qu'il voit dans une fontaine, Narcisse est puni par Némésis et se noie dans les eaux de la source. Que voyait-il d'autre que lui-même ? La beauté de son visage et son intime coup de foudre. Mais, heureusement, Lejeune n'abandonne pas ceux qui regardent. Il les met toujours en situation, en conversation avec ses œuvres, ici dans le parc, sur des gazons entourés de végétation et de grands arbres qui veillent sur eux.
Le miroir suggère aussi une dimension perverse. C'est le comportement du voyeur: regarder sans être vu. Dans les miroirs et les reflets d'une sculpture, un spectateur remarque des amants qui s'embrassent. Il se positionne afin d'avoir tout le temps les gestes du couple dans son champ de vision. Ainsi se transforme-t-il, en machine célibataire monomane qui assouvit ses fantasmes. le couple se croit seul au monde. Les deux situations n'ont rien à voir entre elles. C'est la sculpture qui est acolyte et entremetteuse.
Au parc Tournay-Solvay, le travail réagit en permanence à l'environnement. Lejeune n'invite pas à s'assoir, mais à marcher, à virevolter, afin de capter toutes les nuances de la lumière, des clairs-obscurs, de la saison et du climat qui habillent les œuvres dans un mouvement perpétuel. Les soleils, les nuages, la pluie, révèlent constamment de nouvelles apparitions. Le soleil fait tout éclater en des scènes mouvementées entre les arbres. Les nuages conduisent au rêve qui s'égrène imperceptiblement ou qui devient cauchemardesque pendant l'orage. Trempées sous la pluie, les œuvres dégoulinent comme des corps en sueur, des visages en larmes, le ressac des vagues qui se retournent sur elles-mêmes.

Selon l'endroit où il se trouve, le spectateur éprouve d'autres sensations qui varient sans cesse. Sa relation avec le travail est d'une grande complexité. Les sculptures ont ainsi leur propre vie active avec leurs bonheurs, leurs désirs, leurs chagrins, leurs désespoirs. On a l'impression qu'elles se racontent leur existence. Et pourquoi pas celle de l'artiste ?

Visiteurs de Marque : Exposition Pierre Marie Lejeune

2008-11-14T00:05:00.003+01:00

Les Arbres...

2008-11-13T21:44:00.019+01:00

Par Simon du Chastel : Le premier arbre qui recouvrit une partie de la terre nous est toujours présent, fidèle. A nous de le respecter.

Il n'est pas de conception plus répandue que celle du cosmos vivant symbolisé par un arbre : l'art le plus ancien, les mythes, les légendes des peuples les plus divers l'attestent avec profusion, et cela depuis des millénaires.

L'arbre est à la fois verticalité, la croissance dans le ciel, l'axe de la terre vers l'étoile polaire, la perpétuelle régénérescence, le lieu de passage de la vie à la mort qui produit une nouvelle vie. Il se propage par la graine. Dans les cosmologies, on célèbre ses trois zones cosmiques : les racines, souterraines, poussent vers le bas et se nourrissent des substances très variées de la terre, le tronc est la zone de verticalité, telle celle de l'homme, singe redressé; la ramure est une expansion vers le soleil, le ciel, les nuages gorgés de l'eau qu'elle capte. Cette pensée, dont la base est la circulation vitale entre trois pôles, est le fondement de la Trinité des Chrétiens et de la dialectique de Hegel.

L'arbre est aussi peuplé d'oiseaux qui sont au centre de notre relation terre-ciel, d'insectes et d'animaux, dont le serpent, symbole de fécondité et des guérisseurs, et ce depuis la nuit des temps. C'est pourquoi, lorsqu'on parle de l'arbre, les images utilisées sont celles de l'arbre de vie, de la science du bien et du mal; on parle aussi d'arbre généalogique, d'arbre de Diane, de Saturne, de Jessé, de Noël et plus récemment, d'arbre de la liberté. L'arbre est aussi nourricier, fruitier, et dans les pays exotiques, il est arbre à pain, arbre à lait, à encens, à cire...

La verticalité du tronc de l'arbre fut utilisée pour édifier nos premiers refuges et devint colonne au chapiteau représentant des végétaux, dans l'Égypte qui construisait des temples ressemblant à des lieux rituels tels que la colline, le tumulus, la grotte; l'eau étant souvent à leur source, les pierres limitaient l'espace et, bien sûr, l'arbre de vie était présent. L'arbre crée la forêt et partout où l'humidité règne s'implantent des forêts. Dans le passé, ces forêts avaient une expansion non contrôlée, étaient formées de bois et de sous-bois qui les préservaient et les rendaient impénétrables, comme l'est aujourd'hui la forêt tropicale.

Dans l'imagerie, la forêt joue un double rôle dans toutes les civilisations : elle apparait d'abord comme un lieu de méditation, d'initiation pour les ermites et les moines, un lieu de refuge et de mystère qui crée les contes et légendes : qui n'a présent à l'esprit le Petit Chaperon Rouge, Merlin l'Enchanteur, le Petit Poucet et d'autres personnages des recueils tels celui de Perrault; mais la forêt y est également perçue comme un repaire plein de menaces, car on s'y perdait facilement et autrefois, l'on pouvait tomber aux mains de brigands, de voleurs de grands chemins, avides de rapines et de rançons.
De nos jours, si les brigands ont disparu, le pouvoir de régénérescence des hommes par la forêt demeure intact : il est d'autant souligné que les zones forestières régressent partout. La forêt continue de jouer un rôle essentiel : elle marque les saisons, l'aire des retrouvailles et de l'apaisement car, à travers les rythmes et les cycles de la forêt, l'homme trouve la tranquillité, l'harmonie et réapprend à bien nommer les choses.

De tout temps, la forêt a nourri l'imagination d'artistes qui utilise autant sa "matière-bois" que son esprit.

Philippe le Docte

2008-11-13T21:40:00.009+01:00

Ses amis de toujours, ses matériaux essentiels sont l'arbre et le bois. Le bois, c'est pour lui une fidélité fondamentale: il en aime la légèreté, la flexibilité, la vie, le caractère indomptable mais aussi la dureté. Le bois lui offre toutes les possibilités y compris celle de se prêter à la teinture: "on ne le domine pas vraiment, il continue à bouger; il n'y a pas de main mise sur le matériau, il y a des surprises, dont les patines obtenues avec le vécu. Exposée à l'air, une sculpture non traitée s'oxyde. Même si on utilise un colorant, la fibre demeure apparente. J'aime travailler du bois fraîchement débité, humide" dont éventuellement il rehausse la texture avec des colorants naturels, par exemple du rocou.

Philippe Le Docte est absolument passionné par le bois parce que « c’est un matériau proche de l’homme : il naît et grandit puis meurt, il suit le même chemin que l’humain ». L’arbre, c’est aussi le passage pour lui entre la terre et le ciel. Parfois, le fer intervient dans les sculptures en bois de Philippe Le Docte : les deux matériaux conservent leurs individualités propres, ne s’interpénètrent pas. Le fer, le plus souvent, sert de support, de structure, de cadre mais demeure secondaire.

En tout état de cause, que Philippe Le Docte aille de la taille directe aux assemblages assez bruts de pièces parfois démontables, une double pensé l’anime : l’occupation de l’espace par un travail qui inclut l’homme comme référence première.

L’apparent déséquilibre qu’il crée est une interrogation pour l’être ; même lorsqu’il utilise la verticalité rassurante, il dédouble en paradoxe : ainsi il crée un tripode, trois triangles sur leurs pointes non sur leurs bases. De cette dualité naît une combinaison entre la force et la fragilité.

Anne Nuthals

2008-11-13T21:35:00.005+01:00

Anne Nuthals : Les branches de saule proviennent de cultures, elles sont presque calibrées. Elles représentent bien l'idée d'un volume formée par une multitude d'éléments, quasi semblables. Traiter un matériau comme le saule, c'est travailler un long fuseau souple, qui a une certaine élasticité, du ressort, et par conséquent une dynamique. Chaque branche de saule est en réalité, mais d'une façon minimale, différente géométrique simple - forme humaine par son dessin mais aussi organique, si je pense au tronc. Cet aspect est semblable à celui des colonnes de pierre en architecture. Travaillé comme un volume plein, il devient signe dynamique naturel: par sa matière et sa forme propre.

Dès le moment où je les cintre dans les barres métalliques, de diamètre toujours égal, et cela ajouté aux formes construites, les deux matériaux, saule et acier, offrent un volume qui se situe entre deux réalités : l'un organique, l'autre réfléchie. L'une prédomine par sa matière, par ses couleurs, par sa forme de base; l'autre par la décomposition qu'elle opère sur le fût.

Je vise à ce que mon travail se voie à la fois en tant que ensemble, mais aussi que chaque élément qui le sous-tend existe. C'est à dire qu'il soit comme un volume fini agissant dans l'espace mais également comme une partie plus grande de cet espace, une vision "à la loupe" qui ferait sentir les dynamiques internes de cet organisme.

Le saule est l'élément de construction de base, c'est celui qui fixe la dynamique des branches de saule et par delà, de la sculpture.

La dualité des deux matériaux, de part la rigidité de l'un et la souplesse de l'autre provoque la vibration de la sculpture.
Le mouvement ou la forme est accentué(e) par l'espace extérieur.

André Willequet

2008-11-13T21:30:00.002+01:00

TEXTE

Bob Verschueren

2008-11-13T21:25:00.023+01:00

Quand on aborde une installation de Bob Verschueren, ce qui frappe, dès l'entrée de jeu, c'est l'aspect parfaitement construite de son œuvre qui est limitée dans l'espace avec précision et même méticulosité. Toute altération venant d'un spectateur ne pourrait être qu'une offense. Cette géométrie parfaite est, cependant, composée d'éléments essentiellement mouvants, ceux qui sont dans la nature, qui engendrent de la régularité et de l'irrégularité tout à la fois: en se desséchant, ces éléments se rapetissent et se recroquevillent en des formes proches des mouvements contradictoires de l'art baroque.
Les fragments de nature qu'il utilise sont souvent cueillis dans des terrains en jachère, des fossés et talus qui, par leur défaut d'entretien, donnent accès à l'exubérance de la nature, laquelle produit parfois des plantes abondantes et voluptueuses.
Ces plantes (mises en place souvent dans des lieux sophistiqués, dotés de très beaux matériaux en des agencements très policés), l'artiste les dispose de façon très ordonnée, délicate et précieuse. Les formes géométriques utilisées sont essentiellement le rond, le carré, le rectangle. Les proportions d'insertion dans une pièce revêtent une importance primordiale pou lui puisqu'il les met en dialogue avec l'espace investi.
Dans ses assemblages, il marie les couleurs, ayant recours soit à des plantes différentes, soit à divers stades de maturation: par exemple, une plante jeune-verte est entourée de vert profond ou acide; un roux brulé est associé à un vert sapin.
Non seulement les matières employées se répondent harmonieusement l'une à l'autre, mais aussi il les choisit en fonction des matériaux (pavement, bois, marbre ou autre) qui sont leur support.
Mis en place, ces éléments de nature développent leur vie autonome, évoluent: la structure de ses compositions demeure identique mais chaque partie varie, à la fois de forme et de ton, prenant ainsi l'empreinte du temps, élément essentiel de la méditation de l'artiste.

Cette palpitation de l'œuvre, à travers le temps, est captée et mise en images par la photographie: les clichés composent un processus d'évolution de l'œuvre et demeurent, après tout, les témoignages uniques et durables d'une intervention, par essence fugace.
Parfois, Bob Verschueren utilise le bois, dans des intérieurs comme d'anciennes églises, préférant, dans ce cas, des lieux dépouillés ou vécus par des mystiques. Les formes géométriques utilisées sont alors essentiellement le cône, le dôme et la niche d'église. Ces formes peuvent connaitre deux applications différentes, soit que la pointe en soit tendue vers le ciel, soit qu'elle s'enfonce en terre, dans le cas du cône. La cosmologie est ici signalée et vécue.
Nous entrons dans la sphère de communication terre-ciel, préoccupation de tout temps. La densité des branches mises en action crée un jeu de lumière tamisée. Dans le cadre d'interventions en extérieur, l'ombre portée des fragments de ces installations a une importance très grande: dans la forêt, par exemple la verticalité de l'arbre se prolonge, à son pied, par en trace d'ombre horizontale que Bob Verschueren fleurit.
Parfois, il emploie des racines d'arbres énormes dont le découpage des radicelles s'effectue en suivant la ligne d'une niche: on assiste au passage du massif au très fin, à un passage entre force et fragilité, les radicelles conservant une fluidité de mouvement. Elles se courbent et changent progressivement de teintes.
Ces mutations ont leur propre vie, leurs propres rythmes que l'artiste nous invite à regarder comme lui: elles nous proposent de méditer sur la vie, ses manifestations et son cheminement, rapide ou lent vers le dépérissement et la destruction.

La perpétuelle métamorphose de la vie et de sa matière, surtout végétale, fascine Bob Verschueren non point à travers un regard de psychologue mais par un regard d'artiste pour qui la méditation esthétique est essentielle et compte autant que la réfléxion sur le temps, la vie, la mort.
Toutes les démarches de Bob Verschueren induisent une réflexion, de la part du spectateur, sur le temps et ses implications sur la nature et l'humain dont les destins sont imbriqués.
Certaines de ces installations comportent une élévation géométrisée qui rappelle au spectateur toute la richesse des cosmologies qui sont les sources lointaines de nos civilisations.
Comment ne pas évoquer, également qu'à travers l'œuvre de Bob Verschueren, nous nous souvenons de certaines de nos racines culturelles et artistiques, comme en peinture où les espaces sont très cernés, où les couleurs sont aussi des matières avec toutes leurs variations et où certains contrastes sont voulus pour exprimer des forces.

Si les photographies de œuvres exposées et prises à des moments successifs montrent les effets du temps sur les installations de Bob Verschueren et les subtilités de l'insertion de son travail dans une architecture, il leur manque simplement un élément important, et c'est la variété des odeurs végétales émanant des installations. Ces senteurs, qui ont une art d'aléatoire car l'artiste ne désire nullment maitriser l'évolution de son œuvre, nous confrontent à une jouissance physique immédiate et sensuelle qui est plus lente que celle du regard et nous retient près de l'œuvre, concrètement.

Si Bob Verschueren nous donne, à travers ses installations, de nouvelles pistes de lecture de la vie et de l'esthétique, il se plait également à déclencher, chez le spectateur, ses facultés oniriques, sensitives et intellectuelles car il veut que la rencontre avec son œuvre se fasse dans la liberté et le respect: à chacun sa "lecture" de son travail en adéquation avec son vécu et la découverte de son être.

Pirkko Nukari - Sculpteur d'oiseau

2008-11-09T15:49:00.017+01:00

Par Leif Blomqvist : En automne 1999, ce fut l'exposition du sculpteur finlandais Pirrko Nukari. Pendant deux mois, le parc régional Tournay-Solvay fut habité de créatures ailées très différentes l'une de l'autre : une chauve-souris, de petits oiseaux morts dans leur cercueil en bois, un aigle énorme fixant du regard une bergeronnette fragile. "Les créatures ont toutes la même vie en commun", explique Nukari.

La source d'inspiration de Nukari est constituée d'instants qui se répètent sans cesse dans la nature tout en restant uniques : le départ, la fatigue, la mort, l'envol d'un oiseau... Le point de départ en est universel mais les sculptures de Nukari sont toutefois très finlandaises. Le calme de la nature transparait dans le bronze et le grès des œuvres réalisées par cette artiste. D'autre part, ces sculptures ont un lien étroit avec la capitale finlandaise et son histoire : les oiseaux observent, suspendent et reprennent leur vol au départ d'un socle provenant d'un vieil immeuble très connu d'Helsinki.

Pendant leur première présidence de l'Union européenne, les Finlandais ont voulu présenter diverses faces de leur culture. Parmi les artistes ayant exposé en Belgique, Pirkko Nukari est le seul sculpteur. Ses œuvres proches de la nature ont enrichi l'image de la Finlande. Nous nous réjouissons que cette exposition ait pu être dans le cadre du programme culturel de notre présidence.

pour en savoir plus sur Pirkko Nukari : son site personnel

Who is Who

2008-11-09T10:50:00.024+01:00

Membres effectifs 2008 de L'Espace Européen pour la Sculpture

(A) Administrateur

Madame Livia Appollonio (A)
Monsieur Guy Bauclair
Monsieur Mickey Boël
Baron Cardon de Lichtbuer
Madame Astrid d'Anethan
Monsieur Erard de Becker (A)
Madame Jacqueline de Groote
Monsieur Xavier de Liedekerke
Madame Claire de Pauw (A)
Monsieur Jéphan de Villiers
Comte Simon du Chastel de la Howarderie
Madame Jeanne-Marie Janisset-Dypréau (A)
Madame Françoise Engel (A)
Monsieur Jean-Pierre Ghysels
Madame Renilde Hammacher (A)
Madame Dora Janssen
Madame Wen-Li Kao
Madame Sophie Nyns (A)
Monsieur François Lippens
Monsieur Michel Maroy
Monsieur Thomas Neirynck
Monsieur Félix Roulin
Madame Janine van Strydonck (A)
Madame Nicole Van Tieghem (A)
Monsieur Jean-Pierre Van Tieghem (A)
Monsieur Noé Youssouroum (A)
Madame Christine Danze (A)
Monsieur Willy Van den Bussche (A)

Comité de Soutien

Monsieur Gilles de Pelichy - Membre Adhérent
Monsieur Pierre Gurdjian - Membre Effectif
Baron Luc de Voghel - Membre Effectif
Monsieur et Madame Houart Schmidt - Membres Effectifs
Madame Astrid de Liedekerke d'Anethan - Membre Protecteur
Madame Hélène Mairlot - Membre Effectif
Anne-Marie et Roland Gillion Crowet - Membres Mécènes
Madame Anne Heuson - Membre Sympathisant
Monsieur Alain Wiard - Membre Effectif
Monsieur Alain Camu - Membre Protecteur
Fondation Eldora - Membre Mécène
Baronne Nicole d'Huart - Membre Mécène
Monsieur Georges Litvine - Membre effectif
Monsieur Wigny Degroote - Membre adhérent
Monsieur et Madame Boël-Schuman - Membre adhérent
Monsieur Ivan Rezabek- Membre effectif

Costas Tsoclis - L'Arche

2008-11-08T05:22:00.031+01:00

Par Costas Tsoclis : L'idée de l'Arche est née d'une crainte, lorsque en 19..., j'ai vu à Paris au Petit Palais, l'exposition de la collectif Dumesnil. Une exposition contenant des échantillons de toutes les cultures, de presque toutes les époques. Je me souviens à quel point le travail de ma génération, comparé à d'autres moments de l'histoire, m'a apparu inférieur, combien plus vide ! Alors j'ai décidé de sauvegarder à n'importe quel sacrifice ma barque personnelle de la vacuité de courants artistiques de l'époque. J'ai quitté Paris et je sus rentré dans mon pays (la Grèce), à la recherche de sucs et de raisons d'être aussi primitifs que possible, sans tenir compte des conséquences de cet acte sur ma carrière ou sur l'actualité de mon travail. Depuis je m'efforcer de revoir les choses à leur origine, en me retournant quand cela est nécessaire vers le passé et en utilisant ses réalisations lorsqu'il le faut. Je pense qu'aucune conquête du passé n'interdit l'avenir, et qu'aucun mélange de souvenirs et de moyens ne le dévie.

En automne 1990, voyageant sur le bateau de retour vers le passé, et regardant une mer sereine mais mystérieuse et menaçante, je me suis souvenu de Noé. Et je disais à l'architecte Nikos Hatzikiriakos combien ce vieillard avait été stupide d'avoir chargé son "Arche" de tous ces animaux, de tant de formes de vie définitives, privant ainsi la nature du potentiel de l'imprévu, du potentiel du changement. Et je disais qu'une celluel anonyme aurait pu cacher des formes de vie inattendues, des formes d'une vie probablement meilleure, que celles que nous connaissions déjà. Et je disais que vraiment, il n'y a pas chose plus mystérieuse, plus pleine de vie, plus apte à devenir symbole de l'avenir, qu'un œuf, produit du passé. Et je disais qu'à mon avis cet œuf aurait suffi pour éterniser la vie, promettant à lui seuil un monde nouveau. j'ai donc dit que je voulais construire mon ARCHE à moi, lui donnant une forme aussi élémentaire que parfaite et cacher dans ses entrailles non pas des germes de vie naturelle mais des extraits d'actes, de réflexions, des phénomènes et des évènements : un œuf qui pourrait contenir et un jour éclore un modèle spirituel d'une autre réalité.

Or Nikos Hatzikiriakos, fasciné par l'idée se chargea d'étudier lui-m^me les possibilités de sa réalisation. Alors moi, j'ai fait les dessins et lui, a trouvé les solutions statiques et a fait appel à une entreprise de construction en bois pour la réaliser.

Des morceaux de bois colorés provenant de vieilles barques qui avaient beaucoup voyagé ont adhéré comme des parasites sur la surface goudronnée. Des voix primitives de baleines sortaient des entrailles de l'ARCHE. Des voix existantes mais inconnues de beaucoup d'entre nous, des voix qui ne conversaient qu'avec les racines de notre existence. Les lumières de la salle se sont éteintes, elles ont disparu, et la seule lumière existante était celle qui sortait de l'intérieur de l'ARCHE par la fente entrouverte de l'un des deux pôles mobiles. Par cette fente on pouvait regarder à l'intérieur de l'ARCHE. Nous avons muré la grande porte de la galerie, l'entrée des visiteurs se faisait par une autre plus petite. Ainsi on se demandait comment cet objet énorme et étrange s'était glissé là. C'était comme s'il y était né et y avait grandi. La perplexité atteignait les limites de la crainte.

Mon œuvre a été livrée au public, un public ému, perdu, silencieux. Les larmes des gens qui n'avaient peut-être jamais pleuré devant un évènement plastique étaient ma récompense. Maintenant l'œuvre va être transférée à Bruxelles en tant que symbole de compréhension et de respect aux idées des autres, et, demain, lorsque son intérieur sera rempli de la pensée des 260 personnalités, elle sera installée quelque part, comme porteur de messages, comme symbole d'amitié. Un témoignage historique d'un moment de notre époque.

Amis, Artistes, Personnalités,....

2008-11-08T03:22:00.032+01:00

Le trombinoscope de toutes les personnalités, des artistes, des mécènes et des ami(e)s qui ont participé à la vie de l'Espace Européen pour la Sculpture...

Agroghyphe, la Nature Sculptée par ....

2008-11-07T10:09:00.023+01:00

Khoa Pham : Un agroglyphe ou crop circle en anglais, désigne un cercle de culture ou cercle de récolte. Un agroglyphe est une zone, dans un champ de blé ou d'autres céréales similaires, où certains épis ont été recourbés ou couchés pour former diverses formes géométriques, certaines en trois dimensions et d'autres en deux. Ces formes vont du simple cercle de quelques mètres de diamètre à la composition de plusieurs centaines de mètres impliquant de nombreuses sections.

L'explication de la formation de ces figures est très controversée. S''agit-il l'œuvre d'une intervention humaine, d'un ou des sculpteurs géniaux, ou la manifestation d'êtres "extra-terrestres" ? Des théories abondent mais aucune ne l'emporte. Cependant, nul ne s'est manifesté pour en revendiquer la paternité de ses œuvres.

Par delà la polémique entre les chercheurs qui tentent de percer ce mystère, retenons seulement ici la vision, la beauté artistique et la magnificence de ces œuvres éphémères qui allie sculpture et nature. Ces œuvres sont une hymne à la générosité, à la paix, au désintéressement, un message jubilatoire du bien, du beau et du bon. Je ne sais plus qui a dit : "n'est-il pas suffisant pour constituer un œuvre d'art se manifeste l'émotion à propos de l'objet ?

le Parc Régional Tournay Solvay

2008-11-06T22:33:00.016+01:00

Statut juridique de l'Espace Européen pour la Sculpture

2008-11-06T16:10:00.022+01:00

Statuts Juridique de EES

Gerhardt Moswitzer

2008-11-06T06:41:00.017+01:00

Anne et Patrick Poirier

2008-11-06T06:27:00.029+01:00

Par Anne et Patrick Poirier : de paysages en paysages, de ruines en jardins, notre voyage est une suite d'errances. Ce long voyage sans carte au pays de la Mémoire et de l'Oubli a commencé il y a plus de 30 ans, et continue encore. Voyage au cours duquel nous découvrons, par étapes successives, le "Genius Loci", le Génie des lieux traversés. Chacun chargé de sa propre mémoire dégageant ses propres vibrations, nous inspire des travaux particuliers. Le monde devient pour nous une immense aux espaces communiquant par des portes secrètes. La dernière étape de ses errances se situe dans le parc Régional Tournay-Solvay. Le visiteur y découvrira, au cours de sa promenade, la cabane de l'archéologue. Il se perdra dans le cerveau-labyrinthe, regardera le paysage à travers le grand cadre du temps. A l'aide de 3 longues-vues dispersées dans le parc, il scrutera, minuscules et lointains, les paysages oubliés du pays des errances.

Voyages rhizomiques par Jean-Pierre van Tieghem : Un jour Anne et Patrick Poirier se rendirent devant l'oracle de Trophonios à Lébadée. Près de l'oracle existait deux sources : celle d'Oubli, Léthé, et celle de Mémoire, Mnémosyne. Ils se sont abreuvés surtout à la deuxième.
Le trajet de leur mémoire remonte à la deuxième guerre mondiale autour de décombres et de destruction. Plus tard, ils découvrent d'autres ruines et proposent aux spectateurs d'en faire la fiction et d'en lire les hiéroglyphes imaginaires. Ils sont des chercheurs de traces, des inventeurs de vestiges. Des jardins sont abandonnés, des villes envahies par des forêts, des sculptures écroulées. Les cicatrices de civilisations sont partout mais n'ont rien à voir avec un recensement archéologique. C'est un labyrinthe où se croisent les traces d'hier et d'aujourd'hui, d'ailleurs et d'ici. Le temps est un ossuaire de pierres, de bois, d'empreintes, gardés dans une cabane ou dans une chambre. Aucune indication n'en signale les origines. Ce sont des tours de silence et de solitude recouvertes de fleurs et de feuilles.
Des mythes se rencontrent, parlent et dialoguent avec le présent dans une constance poétique et utopique. Souvent, Anne et Patrick Poirier participent aux conversations et les inscrivent dans leurs images. Ils proposent des archéologies de la mémoire, des archives de l'architecte, des carnets de fouilles, des écrits en mouvement. L'esprit transforme le sensible en signes dans une pluralité de lectures. Les dessins et les photos sont ouverts aux sens et aux histoires.
Des voutes se sont mises à osciller, les piédroits se fissurent, les colonnes et les piliers tombent et se cassent dans un étrange désordre allégorique. Il faut en percer peu à peu le secret, car ne subsistent que les pierres qui sont un monde à elles seules dans leur dédale depuis leur noyau massif et muet jusqu'aux innombrables fissures ouvertes à l'imagination.
Les décryptages sont passionnants. Anne et Patrick Poirier sont des arpenteurs de l'inexactitude qui révèle une poésie inconnue. L'émotion d'abime dépasse toute certitude. Simplement elle est. Aristote dirait, en entéléchie.

pour en savoir plus sur Marie & Pierre Poirier : cliquez sur le lien ci-dessous
Encyclopédie audiovisuelle de l'Art Contemporain

Clemence van Lunen

2008-11-05T22:14:00.065+01:00

"Une branche raconte elle-même son histoire"

Par Jean-Pierre Van Tieghem : Cette phrase dite par Clémence van Lunen il y a peu de temps articule et signifie, donne le sens d'un ailleurs, d'une intimité et d'une fragilité, du "dasein" sans filet, de l'être dans le monde avant l'histoire de l'artiste et ensuite pendant. Où est alors la différence entre le corps et la sculpture, entre le fait et le reçu ? S'agit-il d'articulations et de destins avec ou sans mouvements ?

Le squelette apparait, entre la vie et l'absence, entre ce chien et loup qui ne pense plus aux couleurs, aux aux ombres anthropomorphes. Des mémoires surgissent, un jeu se joue, un jeu qui inquiète dans le corps même du bois, dans son for intérieur déshabillé par nécessité.L'os - celui du bois - dialogue avec son cartilage, sa fragilité et sa courroie de transmission, ce dialogue proposé tel quel, presque à l'insu. Mais en complicité. Et pourtant sans répit, car le bois tient à son bois. Il s'érectile et prend, se couche et se donne, se distrait dans ses élongations sensuelles sur un gazon, caresse les végétables évidents, évacue le superflu.

Le spectateur n'oublie pas que la veille il était chez le cordonnier qui a ressemelé ses souliers avec quelques clous et des pièces de cuir sur ses semelles. Et il regarde ce qu'il n'a jamais vu : un fil, un clou dans les sculptures de Clémence van Lunen, alors qu'il n'y a rien de cela.

Apparaît une adhésion de bois à bois, de nature à culture et vice-versa, de "carrefour" comme disait Bachelard. Et il s'agit aussi d'un trajet qui va dans un sens. Quel sens ? Et le bois parle, dans ses nœuds et dans ses trous, dans ses intimités, dans ses absences et dans ses désirs d'adhésion.

Tout est prêt. La rupture est. Rien ne tenir joint le haut et le bas du corps. La forêt est chaude et la nuit des hommes affreuse. Tout ici est à l'abandon. Qui s'assied sur le bois a le bois qui parle pour lui et parle haut, ne cède en rien parce qu'il ne s'est pas lavé la veille. La forêt grouille. On est mal à l'aise. "L'arbre ici... mène grand train" comme l'écrivait Henri Michaux dans "Ecuador". Il faut regarder debout. Aussi le regard est oblique, là où c'est bon de découvrir la différence et l'essence. Le rêve vient après. Il a été de longue haleine. Il a fallu le porter. Et l'autobiographie est présente. Comment ? A travers les os, les eaux des fleuves et les huiles végétales, dans une sorte de mouvement dans l'espace. A la façon, pourquoi pas, d'un partage de rêves culturels et personnels venus d'ailleurs. Tout le monde danse dans des gestes qui n'arrêtent pas de se faire. Clémence bifurque en même temps que les branches. Ce sont des gestes émouvants, ses interrogations.

Elle regarde les corps, les êtres (les hêtres), les noms et les endroits, les troncs et les racines. Elle écoute les liturgies obscures. Elle image le choix des bois dans ses racines, dans ses virgules, dans ses absences.Que deviennent ces jambes, ces genoux, ces nombrils immobiles dans la chair de ces bois ? L'attente est longue, sous le signe peut-être des nymphéas, dans la discrétion. l'artiste part. Le sculpteur, elle, intrigue. La vie est renversée. On meurt à sa place : la place de l'arbre et de ses racines. La pente est rapide. Comme dans un orage qui marque, qui blesse. Il suffit de porter un regard sur soi, sur son corps. Et réfléchir.

pour en savoir plus sur Clémence van Lunen : son site

Le parc Tournay-Solvay

2008-11-05T01:22:00.050+01:00

Cliquez ici pour voir le Parc en diaporama

Par Simon du Chastel : Le parc Tournay-Solvay est un lieu chargé d'histoire depuis son occupation, il y a 7.000 ans, par la même peuplade d'hommes préhistoriques que celle de Spiennes, près de Mons.
Venus de Bonn, en Allemagne, ces hommes qui furent les premiers mineurs, extrayaient à Spiennes les meilleures pierres taillées du nord de l'Europe. On trouve facilement ces pierres à Boitsfort, près de leur ancienne forteresse, à l'emplacement des étangs "des enfants noyés". Ces hommes de la préhistoire occupaient également la colline toute proche du parc Tournay-Solvay, à cause de la proximité des deux étangs de la propriété.
En d'autres temps, ce site fut le point de départ de nombreuses chasses dans la forêt de Soignes. Celles-ci étaient pratiquées par de grands seigneurs, princes et empereurs, tels Maximilien d'Autriche et Charles-Quint.

Mais commençons par l'histoire de ce parc qui, lors d'un sondage commandé par le Ministre Jean-Louis Thys dans les années quatre-vingt, a été considéré comme le plus beau parc de Bruxelles après le parc Royal. Situé au sud-est de Bruxelles, le Parc Régional Tournay-Solvay étend ses 7 hectares entre la Chaussée de La Hulpe, la drève des Deux Montagnes et la ligne de chemin de fer Namur-Bruxelles. Son entrée est à côté de la gare de Boitsfort.
Une partie du parc appartenait à un important propriétaire, Théodore Verhaegen, fondateur de l'Université Libre de Bruxelles, franc-maçon et anticlérical s'il en fut, que les étudiants fêtent à la "Saint Verhaegen".
Par la suite, une partie de ces terrains fut vendue à Alfred Solvay, qui fit construire en deux étapes l'actuel château, plus précisément ce qu'il en reste.
Alfred Solvay et son célèbre frère Ernest produisaient dans leurs usines de la soude d'ammoniaque selon un procédé révolutionnaire. Leurs usines, implantées des États-Unis à la Russie, montrent la prospérité de leur entreprise. Ces chefs d'entreprise humanistes et visionnaires n'hésiteront pas à consacrer une partie de leur fortune au bien-être de leurs employés, mais aussi à des réalisations architecturales d'une grande renommée, comme l'hôtel Solvay, réalisé par le célèbre architecte Art Nouveau Horta.

En 1879, Alfred abandonne la direction de l'usine de Couillet pour se consacrer exclusivement à l'administration générale de l'entreprise. Il s'installe dès lors à Bruxelles dans sa propriété de Boitsfort. C'est aux architectes Constant Bosmans et Henri Vandeveld qu'il commande les plans de son manoir. Ceux-ci collaborent à plusieurs reprises avec la famille Solvay et plus particulièrement pour Ernest.
Ils réaliseront les nouveaux bureaux du siège social de la Société à Ixelles (1883) et étudieront les transformations et l'aménagement intérieur de l'hôtel particulier d'Ernest Solvay rue des Champs Elysées à Ixelles (1884). C'est encore eux qui se chargeront de la construction, dans le parc Léopold, de la très belle bibliothèque de l'Institut de Sociologie (1901), mieux connue aujourd'hui sous le nom de bibliothèque Solvay, et de l'Ecole de Commerce (1903), abritant actuellement le lycée Emile Jacqmain.

Le château. Bosmans et Vandevelde érigent en 1878 la première partie du château dans un style Renaissance flamande quelque peu fantaisiste rappelant le style de la maison Van Zeeland située un peu plus loin, près du Boulevard du Souverain. La revue d'architecture l'Emulation qui commente les projets et réalisations en vogue à l'époque, y consacre un article.
Définissant le lieu comme une maison de campagne, il vante la touche personnelle de son style néo-Renaissance flamande, l'unité et la pondération des matières dans la composition de la façade, et la qualité de son confort.
Ce bâtiment puise son inspiration dans le vocabulaire éclectique et fantaisiste de Vredeman de Vries, célèbre théoricien et ornemantiste du XVIe siècle. Alternée de briques rouges et de pierre blanche, sa façade est formée de deux avancées reliées par une loggia à l'étage et une galerie surmontée de deux arcs en anse de panier au rez-de-chaussée. Volutes décoratives, colonnes, frises de grotesques et pignons complètent cette atmosphère.
La seconde partie du château, soit une double tour réalisée par l'architecte Jules Brunfaut, fut terminé en 1905. Cet architecte, bien connu pour la construction de l'hôtel Hannon, rue de la Jonction à Bruxelles, accentue ainsi le caractère pittoresque du château, brise la symétrie de la composition et augmente la verticalité de sa silhouette. Il intègre également la loggia au bâtiment en la refermant par des fenêtres, tandis que la double arcade de la galerie se voit simplifiée en une seule. Si cet architecte, élève de Henri Beyaert, s'adonne à l'Art Nouveau avec l'hôtel Hannon, il reste pourtant un classique, comme le confirme la maison qu'il réalisa aussi pour Alfred Solvay en 1888, avenue Louise.

Les plans du château, repris dans l'Emulation, permettent seuls de visualiser l'intérieur du bâtiment, qui se présente selon une répartition assez classique des pièces : "Le perron donne accès à un hall, suivi d'un vestibule et du grands escaliers d'honneur qui occupent le centre de l'édifice. De part et d'autre de cette zone de circulation, les deux ailes accueillent la salle à manger, le salon, le fumoir et le véranda. A l'étage, le bureau d'Alfred Solvay s'ouvre sur la loggia qui occupe le centre de la façade. Les chambres sont disposées autour d'un vaste dégagement. Au sous-sol, se répartissent les cuisines, la buanderie et les caves aménagées pour bien conserver le vin, la bière, les fruits...
L'emplacement du château est exceptionnel : la vue plonge vers une vallée qui abrite deux étangs, dont l'eau provient de l'étang des "Enfants noyés" et de deux sources dans le parc.
Ces étangs nourrissent tous les étangs de la vallée de la Woluwe, où s'érigeaient d'innombrables abbayes, châteaux, moulins ou fermes, aujourd'hui remplacés par des bureaux, les assurances - tels: Royale Belge - AXA".
Du château la vue se noie dans la forêt de Soignes; aucune maison de Boitsfort n'est visible.
Alfred Solvay pouvait ainsi fuir, en ces lieux très privilégiés dans Bruxelles, la fumée de ses usines, et agrémenter son château-palais de meubles superbes, ainsi que d'une bibliothèque importante. Celle-ci, au décès de Thérèse Tournay-Solvay, fut donnée à la Bibliothèque Nationale, ce qui sauva ce patrimoine de l'incendie du château en 1982. Incendie causé par des adolescents squatters qui allumaient des feux de bois, non dans la cheminées, mais sur le parquets ! Resté en ruine, le chateau est " colonisé " par la végétation et la faune.
Entre-temps, les grands aménagements réalisés à Bruxelles sous le règne de Léopold II ont provoqué de nombreux bouleversements. Une nouvelle artère a été créée, l'actuel boulevard d Souverain. A cette occasion, Marie Masson, l'épouse d'Alfred Solvay (mort prématurément en 1894), rachète, tant pour agrandir sa propriété que pour préserver le site, le terrain situé entre la rue de l'étang et la "Nouvelle Avenue".
En 1920, Thérèse Tournay, une des filles d'Alfred Solvay, qui hérite de la propriété, fait construire par l'architecte G. Collin une conciergerie et des dépendances. L'entrée est réaménagée et les deux parties de la propriété sont reliées entre elles par des ponts qui enjambent la rue des Silex.
Après la mort de Thérèse Tournay, le site est menacé par un projet de construction de logements et de bureaux, lequel est rejeté par la Commune de Watermael-Boitsfort.
Racheté par la Région Bruxelloise, le parc a bénéficié de travaux de remise en état pour être ouvert au public dès 1981.

Le parc. Le parc comporte deux parties, reliées par de jolis ponts en ferronneries soignées du XIXe siècle qui surmontent une rue piétonnière à anciens pavés arrondis par le temps. Cette petite ruelle se dénomme "la rue des Silex", sans doute parce que Boitsfort est bâti sur un sable bourré de silex, et peut-être aussi en souvenir des armes et outils de nos lointains ancêtres.
La première partie du parc, qui longe la chaussée de La Hulpe, est peuplé de hêtres et d'arbres rares tels qu'un Séquoia, des noisetiers de Bysance, et bien d'autres espèces. Elle a été dessinée en 1911 par Jules Buyssens : un des principaux architectes de jardin de la première moitié du siècle, inspecteur des plantes de la ville de Bruxelles et l'un des auteurs du jardin Van Buren. Il s'inspire ici de l'esprit des jardins anglais en créant des chemins sinueux, déjà pourvus dans le passé d'un réseau d'évacuation d'eau et tout récemment revêtus de petites briques aux tons de feuilles d'automne.
Au centre de cette partie anglaise du parc se trouve la fameuse roseraie des Solvay, construite en ronds et plateaux de circulation qui s'enfoncent vers le point central : une colonne finement sculptée portant un cadran solaire. Pour y accéder, on marche sur quatre pierres tombales de familles nobles. C'est le lieu préféré des amoureux, des retraités...
Cette roseraie fut restaurée et même reconstruite par la Région Bruxelloise et un membre du cabinet de l'architecte de jardin René Pechère : J.Boulanger-François. Tout y est soigné : les roses aux variétés diverses, les bancs en bois et les bassins d'eau, pourvus d'escaliers (pour les grenouilles !)

Jephan de Villiers

2008-11-04T00:05:00.088+01:00

Par Emmanuel Driant : Derrière la terre-qui-existe se trouve la terre-qui-est. L'œuvre de Jephan de Villiers témoigne de cette autre terre, nous montre une autre affirmation des réalités, hors l'espace quotidien, venant d'une foret au vent absent dont la sonorité s'est couchée dans le masque des teintes mates, dans les frémissements des formes, des nœuds et des glissements, des épaisseurs fragiles et des immobilités furtives.
Le travail de Jephan de Villiers se bâtit à partir de quelque chose que la forêt laisserait advenir quasiment par inadvertance. Habile captation de ce que l'on croyait dérobé pour toujours, et que le regard et la main relèvent, déploient, déposent et contemplent.
Derrière le vent, dans les plis que la terre étire et sépare, s'accomplit en silence, sans histoire, un peuple d'images et de figures. L'orpailleur le rend au jour. Ces épiphanies, que le poète autorise par degrés et dont il gère les débordements possibles, sont à la fois sculpture et théâtre, mises en scène d'un monde d'abord de traces, de forces, de sensations, porteuses d'images puissantes, celles du milieu de nos origines et de nos questionnements de toujours : la forêt.

La marche en forêt est le départ en même temps que l'aboutissement de la quête, qui se relance et se reboucle à chaque exploration nouvelle. Du point de vue de l'autre terre, le marcheur ne bouge pas, il est au centre et dans l'être du monde. A chaque pas le chemin se déroule, le marcheur est déjà dans son œuvre. La pensée tournoie, attentive à ce qui pourrait se produire à l'insu des pieds. Il n'a pas de rendez-vous sur les drèves des bucherons. L'œuvre n'est jamais vraie, elle est toujours juste. Comme elle s'alimente aux bribes des arbres, aux érosions des souches, à l'écume de la dispersion, on pourrait croire qu'elle nait du hasard. En effet, tout est toujours possible, mais jamais n'importe où, n'importe comment, n'importe quand. A cet instant chaque geste de la terre est unique. Tel pli fortuit dans le sol est la promesse d'une piste. Puis le regard et la main se risquent, ou prélèvent d'instinct ce qui va confirmer l'œuvre, la porter en avant d'elle-même, la faire devenir. Les sentiers sont intérieurs.
La forêt est une réserve propice. Un repaire de trésors virtuels. Tous les sens en perçoivent le langage, qu'ils partagent et concilient, différemment selon la saisons, dans l'atelier de l'imaginaire. Cette collecte diversifiée, inépuisée au fil des mois et des parcours, où chaque élément fait écho à tous les autres, instaure sans doute chez notre marcheur le sentiment d'un espace prospère et d'une temporalité vivante, qui donnent un prix à son errance, une cohérence à l'informulable. Et avec lui nous sommes conviés à un nouvel apprentissage des lieux, à l'écoute en nous d'une forêt prenant toujours une autre direction qu'elle-même, antérieure à elle-même (comme les bifurcations des branches de l'arbre qui, loin d'éloigner du tronc, l'encouragent dans ses racines).
Pour signifier l'échange, des sculptures sont parfois redéposées sur une souche, dans l'entaille d'un arbre, ou enfouies en terre : éteindre, dans une écologie subtile, ce que la marche avait détourné de l'humus, pour mieux féconder les aventures à venir.
Il y a plusieurs temps pour cette marche. Celui de la forêt de printemps et d'été, lieu de contacts, des circulations, des mélanges, des aérations et des métamorphoses. Entre ciel et terre, ramures et feuillaisons tracent une écriture faite d'entrelacs et de ruptures, de clartés et de désordres, où se voilent et se dévoilent, dans un battement d'évènements sans cesse en invention, les extravagances de la feuillée, les frondaisons larges, l'exubérance de la lumière, les ventilations bruissantes des envols d'oiseaux, les allégresses de l'écureuil naviguant dans les flambées des branches, où les vérités, scintillantes et provisoires, ne font que passer et se travestir pour en point aveugler.
Puis la feuillée s'émiette, tandis que l'humus se rassemble. Les métamorphoses esquissées vont s'approfondir ou s'évanouir. Le vent, sans proie, n'est plus que l'envers du silence. Le marcheur médite face aux pures présences, qui sont sans réponse si ce n'est d'être là. La terre n'est plus en fête, elle se fait radicale. Et dans ses bords, dans ses franges, apparaissent les figures possibles. les accidents des bois et des pierres gagnent une stabilité, une éternité. L'œuvre inspire la forêt, qui à son tour appelle la main, Jephan de Villiers est en quête de l'immanence du monde.

en savoir plus sur Jephan de Villiers :
Galerie Béatrice Soulié
Son parcours

Bernd Lohaus

2008-11-02T22:16:00.071+01:00

Par Luk Lambrecht : La langue primaire qui figure sur les supports bruts des sculptures de Bernd Lohaus est une donnée visuelle qui permet de détecter les rapports entre langue et sculpture. L'apposition de mots est un morceau de bois ou un bloc de pierre fait naitre des associations et des affinités avec les premiers "signes" historique de l'écriture et de la communication. L'être humain communique par la langue ; il en conduit le décodage et l'interprétation en direction d'un objectif donné, qui peut être, selon le cas, vague ou spécifique. Lohaus considère que ses pierres et ses poutres de bois, qu'il sélectionne avec amour, sont les vecteurs d'un discours qui caractérise son existence et qui montre pour ainsi dire la nécessité de " crier au monde" d'une manière concentrée, exemplaire et substantielle.

La langue allemande (qui est la langue maternelle de Lohaus) a en outre, pour ceux qui ne sont pas de langue allemande, une résonance expressive, compacte et précise sur le plan du contenu. L'œuvre récente de Lohaus se passe de plus en plus de la présence de la langue. Les sculptures transparentes "se taisent" ; par leur structure méthodique, elles projettent en retour des "mots" qu'elles gravent sur la rétine du spectateur.

Il semble que Bern Lohaus veuille proscrire la langue lisible et les fils conducteurs permettant de procéder à des interprétations et qu'il veuille les communiquer au spectateur par l'intermédiaire d'une activité mentale a priori solitaire. Les sculptures monumentales horizontales d'Anvers, de Tamise (Temse), de Kassel et d'Eupen sont pratiquement dénuées de texte et tirent leur force de la manière dont l'artiste dispose et ordonne les poutres les unes sur les autres et les unes à coté des autres. Les sculptures deviennent des socles imaginaires, des supports pour les pensées et les idées.

Le poids de ces poutres exotiques, ravagées par les intempéries et oubliées des marchands provoque une tension physique intéressante entre le matériau choisi et l'artiste. La "manipulation" au sens littéral par l'homme des éléments d'une sculpture, n'est plus possible : la réalisation de l'œuvre d'art devient dans sa construction même un fait social où interviennent la concertation, le doute et l'adresse mécanique. A la différence du jeu de mikado, les sculptures de Bernd Lohaus sont la résultante d'un travail artistique voulu, délibéré. Le fait de superposer et de disposer les unes à coté des autres des poutres d'un tel poids pour en faire une sculpture ouverte, accessible, dans laquelle on peut même entrer physiquement, associe des considérations intuitives liées à la finalité, à des limites rationnelles tenant à l'endroit où se trouve le sculpture. La sculpture devient de plus en plus un lieu. Ceux qui ont eu l'occasion de visiter la ville de Tamise (Temse), où Lohaus a placé des l'une de ses sculptures les plus impressionnantes dans un endroit vide et abandonné, entre l'Escaut et l'église, ont pu voir qu'il a véritablement l'intuition du lieu et qu'il remplit à la perfection. La symbiose entre les associations complémentaires - l'Escaut, porte ouverte sur le monde, les poutres en bois exotique de la sculpture et le positionnement de l'œuvre dans une blessure "ouverte" du tissu urbain de Tamise - provoque une accumulation passionnante au contenu implicitement stratifié au moyen d'une sculpture en soi totalement abstraite.

Les sculptures de Bernd Lohaus sont des structures ordonnées ou plutôt des contours précis, qui ne correspondent pas à des définitions géométriques strictes. Avec ses récentes "bornages sans paroles", Lohaus saisit le vide dans des délimitations massives qui font penser tant à l'architecture qu'à al riche histoire de la sculpture.

Une comparaison de Bernd Lohaus avec l'œuvre du sculpteur américain Carl Andre s'impose. A la différence de ce dernier, qui transforme généralement les matériaux qu'il choisit pour en faire des éléments de forme semblable afin de les disposer ensuite dans un espace selon une vision très mathématique, Lohaus conserve aux différents éléments de ses sculptures l'apparence naturelle dans laquelle il les a trouvés et ne les agence jamais selon les règles dogmatiques !
Tout comme dans l'œuvre de Carl Andre, la production artistique de Lohaus n'existe que dans le contexte spécifique de l'exposition. L'œuvre qui, une fois l'exposition terminée, est entreposé dans un hangar ou dans un atelier conserve en permanence la faculté de proposer, dans un autre cadre, une vision nouvelle sur la perception que le spectateur en a eue.

J'aimerais comparer les sculptures formés d'éléments séparés à des mots isolés dans le contexte d'une phrase en train de prendre sens. Une sculpture de Lohaus est une phrase "massive" dont l'apparence matérielle suscite un champ de significations qui s'oppose en outre à tout décodage strictement tautologique du matériau.

Les sculptures de Lohaus, du fait même de leur construction lâche, ne sont jamais "terminées" : elles mènent une existence vagabonde, tout comme le matériau dont elles sont issues, et demeurent, sur un plan métaphorique, comparables à la "mobilité" de la pensée artistique et créatrice.

Les sculptures en bois horizontales exposées dans un parc apportent pour ainsi dire une réponse "culturelle" à l'aménagement artificiel de la nature ; le parc, lieu calme et protégé, truffé d'arbres à la verticalité majestueuse, symboles de la matière organique des sculptures de Lohaus. La dialectique parlante entre culture et nature place le visiteur au niveau d'une enclave : Bernd Lohaus place pour ainsi dire des "terrasses" organiques qui invitent les visiteurs à développer une vision mentale sur l'art, la culture et la nature.

La suggestion d'un mouvement stratifié, ondulatoire dans ses sculptures est une caractéristique manifeste, comme si le détail figé (l'immobilité) sous forme d'image in-ébranlable voulait attirer notre regard sur le cours intemporel des choses.

en savoir plus sur Bernd Lohaus : cliquez sur les liens ci-dessous
Galerie Bernard Bouche
SMAK Museum

José de Guimarães - les Voix Nomades

2008-11-02T22:15:00.019+01:00

extrait du texte de Colette Lambrichs

José de Guimarães est portugais. Comme ses ancêtres, il sillonne les mers de tous les continents et, comme eux, il dépose, dans les endroits où il accoste, d'étranges objets, futurs témoins de son passage. De quel culte sont-ils les instruments ? Quelle colère apaisent-ils, et de quel dieu ? Sont-ils conçus en fonction du lieu où ils vont séjourner ?

Les arbres à mots. Les vibrations dans l'art font penser à la musique. C'est l'écoute des feuilles qui poussent aux branches, le regard sur leurs mouvements dans les arbres. Les pigments se racontent des histoires dans les couleurs, comme la matière dans un volume. L'appel de la lumière rayonne dans les yeux. La tête se remplit de beauté ludique qui a poussé dans la terre et qui grimpe aux troncs des arbres. Elle sort de corps qui danse et qui deviennent la danse des volumes. Les ondulations des lettres qui forment les mots sourient dans toute sensualité. Depuis toujours, José de Guimarães joue avec les mots. Il les confond au chant des oiseaux, à la sagesse d'un totem, au mystère d'un masque, à la nébuleuse d'un esprit. Il les transforme en un poème qui jongle dans la vie du mythe et du quotidien, comme un bout de photo dans un collage, le mot "amor" dans une peinture, un pantalon dans une sculpture téléphonique.

En jouant avec des formes dont la vibration renvoie à d'autres sons, à d'autres sens, loin dans l'espace - loin en nous-même -, José de Guimarães nous livre des messages cryptés des poèmes en trois dimensions qui traversent le mur des langues, des religions, des coutumes et des civilisations.

pour en savoir plus sur José de Guimarães : cliquez sur le lien ci-dessous
bibliomonde

Sophie Nyns - la gestuelle dans la statuaire

2008-11-02T09:25:00.036+01:00

Par Ida Jacobs : La désinvolte sérénité des statues. La fantaisie doucement ironique des œuvres de Sophie Nyns, la joie tranquille de ses personnages tout en grâce et poésie nous disent que le bonheur, délesté des charges souvent dérisoires sous lesquelles nous les conditionnons, se compose de choses simples. Cette manière de rendre hommage à la vie, cette exquise politesse lucide faite à l'art lorsque la rêverie rejoint l'humour, n'étonnent pas quand on connait l'auteur.

Née à Bruxelles en 1926, Sophie Nyns est la fille unique d'un couple ouvert sur le monde culturel. Sa vocation d'artiste se manifeste très tôt, et son destin se confirme dès qu'elle suit des études en poterie et céramique à la Cambre,-où elle est l'élève du pionnier de la sculpture céramique en Belgique, Pierre Caille- ainsi que des ateliers à l'Académie de Boitsfort.

Au cours de cette période de formation, elle rencontre des artistes qui marquent le paysage belge de la peinture, du dessin, de l'architecture et de la sculpture. Les femmes qu'elle sculpte aujourd'hui dans le bronze, ces personnages qui portent leur regard au loin, altières nudités aux seins hauts dont le corps dément l'expression détachée du visage, et qui deviennent quelquefois des anges facétieux par la grâce d'une petite paire d'ailes, en sont la preuve éclatante, s'il en fallait une. Elles reçoivent des titres qu'Eric Satie n'aurait pas reniés pour ses partitions, qui tempèrent de façon ludique et comme par pudeur le dévoilement des sentiments induits dans les courbes.
"Belle pour la fête", "l'amour, cela fatigue vraiment", "non et non", "danseuse dansant", "sereine mais cependant en attente" racontent le sujet très sérieux de la séduction pimenté en petit farce, ces dames n'hésitant pas à se doter d'une coiffe ou d'un châle comme falbala soutenant l'éternel féminin.
Si "l'ange musicien" sourit de cette gaieté tempérée, c'est auréolé de paix qu'il côtoie les bronzes de pigeons aux linges pures et élégantes. "Pigeon à la branche", "petit pigeon calme", "petit pigeon heureux", et "la houppe", expriment autant d'odes à la nature par la représentation sereine d'une de ses espèces les plus modestes.

L'artiste aborde un autre chapitre de son talent par le "centaure joyeux" et la "centaure un peu timide". L'esprit surréaliste de ces œuvres s'annonce par "cheval et petite dame", une sculpture conçue, c'est le mot, comme les prémisses indispensables à la naissance d'un centaure. Ce petit bronze composé de deux éléments qui s'imbriquent suscite diverses réactions parmi le public. Certains, au diapason avec l'artiste, saluent son humour vivifiant, d'autres s'offusquent. Sophie Nyns, le sourire au coin, s'amuse.
Depuis plusieurs années, ses expositions sont consacrées aux bronzes à cire perdue, une technique qu'elle maitrise à merveille. Quand on lui demande pourquoi elle a abandonné la sculpture de céramiques, elle élude la réponse mais lance un laconique : "parce que cela cassait". Des paroles prononcées avec le plus sérieux. Sophie Nyns n'aime pas se livrer; ses œuvres et son parcours parlent pour elle.

Dès 1949, de nombreuses expositions personnelles à Bruxelles et ailleurs en Belgique font connaitre ses céramiques au public. Elles sont suivies d'expositions d'ensemble, tant nationales - avec "Val de Cambre" aux musées d'Ixelles et de Louvain-le-Neuve, aux galeries Dewever, de Carnière, Ago - qu'internationales, à Berlin, Bogota, Barcelone, Lozt, le Cap, Paris, Marseille et d'expositions organisées par l'État au Middelheim d'Anvers, aux musées de Gand, Hasselt, Verviers et Mons ainsi qu'au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles.

en savoir plus sur Sophie Nyns : les chroniques de Colette Bertot

le Parc Tournay-Solvay conté par l'Institut Bruxellois pour la Gestion de l'Environnement

2008-11-02T09:20:00.012+01:00

Cliquez ici pour voir le Parc en diaporama

Parc Tournay Solvay

Jaume Plensa

2008-11-01T12:20:00.041+01:00

Plensa ou l'identité en tant que transformation. Texte d'Oriol Pi de Cabanyes. Plensa, de même que Lulle, Gaudi ou Miro, tient beaucoup d'alchimiste. Son bouillon intérieur - son évolution - est orienté par la formule Solve et Coagula (dissous-toi et coagule-toi, analyse ce que tu es, dissous tout le plomb que tu portes au corps, même si tu te romps en mille morceaux, et coagule-toi grâce à la force interne de ce processus de transformation. L'argument essentiel de son œuvre est la description d'une crise - permanente - de son identité. ou plutôt, la plasmation de la crise, tellement postmoderne, de l'idée d'identité.
L'égo artistique de Plensa se désagrège et se multiplie et s'affirme dans les mutations. De la même manière que ce totem des ancêtres - nouvelle échelle de Jacob - donne matérialité aux esprits absents. Dans le même parc Tournay-Solvay de Bruxelles, Plensa aussi, empreint d'une émotion toute romantique, a posé une clôture autour de la résidence phantasme du seigneur absent? Ou bien il a planté une maisonnette avec de nombreuses portes, métallique, comme s'il s'agissait d'un piège pour l'esprit. N'importe quel artéfact est toujours, platoniquement parlant, une empreinte d'idée, une incarnation d'un concept. Dans ce cas-ci, la communication.
Jaume Plensa proportionne formes à l'idée d'identité en tant que transformation. Evola écrivait dans Tradizione Ermetica : "notre œuvre est la conversion et le changement d'un être en un autre être, d'une chose en une autre chose, de la faiblesse en force, de la corporéité en spiritualité." Par le biais de son œuvre, Plensa se pose la triple question métaphysique : qui suis-je ?, d'où viens-je ?, où vais-je ? Et comme réponse, il donne du volume - avec force et sagesse - à son propre processus. L'alchimiste ne s'intéresse pas pour arriver à aucun terme. Ce qui l'intéresse surtout c'est le chemin.

Par Jaume Plensa : chaque être humain est un "lieu". Chaque femme, chaque homme, chaque enfant, chaque vieillard est un espace habitable en soi-même qui se déplace et se développe; un "lieu" dans le temps, la géographie, le volume et la couleur.
Villes entières construites avec des corps qui s'ouvrent et se ferment comme des portes. Lumières clignotantes.
Chaque fois qu'un être humain meurt, une maison se ferme et on perd un "lieu". Mon œuvre est sa mémoire. La fixation surgelée d'autant de corps en se développant et disparaissent dans la fugacité de la lumière.
Mon œuvre est son volume.

David Nash : le jardin-niche

2008-10-31T10:33:00.169+01:00

Par Andrew Sclater & Benoit Fondu

Une sculpture "organique", un parc dix-neuvième et un centre d'initiation à l'écologie... telles sont les trois dimensions qui s'offrent aux visiteurs de l'exposition de David Nash au Parc Tournay-Solvay.
Le matériau utilisé par le sculpteur est celui du cœur de la nature, le bois, la vie. Il reflète l'élémentaire. Il incarne les éléments: la terre, le feu, l'eau et l'air - qui ont été au centre de la pensée occidentale pendant plus de vingt siècles. De plus, il est au centre des traditions spiritualistes des philosophies orientales.
Les sculptures en bois de David Nash nous proposent des fragments de la structure nue de la vie - non seulement de la vie de l'arbre en termes de graines, de cellules, de vaisseaux et de rayons médullaires, mais aussi de notre vie dont il fait partie intégrante sous la forme de pétrole, d'abris, de clôtures, d'armes, d'outils, de jouets, de meubles,... ou encore de crayon avec lequel nous avons appris à écrire et à dessiner à l'école.
L'œuvre de David Nash peut être lue comme un acte d'insurrection contre les valeurs de notre société industrialisée. Dans le contexte actuel, il est clair que le regard que Nash porte sur la nature a des affinités avec celui des écologistes. Et pourtant ces œuvres organiques sont étrangement la plupart du temps exposées dans des galeries alors qu'elles auraient davantage leur place dans l'environnement naturel dont elles sont issues. Certes, il y a quelques exceptions, comme ce bloc de bois qui, largué dans une rivière de montagne dans le Nord du pays de Galles, dévale vers la mer. Dévaler est un grand mot car, en vérité, il n'avance que lorsque la rivière est en crue et il faudra encore bien du temps avant qu'il n'accomplisse cet interminable voyage qui a débuté il y a près de vingt ans.
David Nash a également sculpté le bois vivant. Or, on l'a rarement vu travailler dans un jardin. Il est clair qu'il lui préfère les endroits retirés et secrets. Pourquoi ? Un jardin serait-il un espace trop apprivoisé pour une œuvre qui interroge la véritable nature de la nature ? Nous pourrions également penser que c'est parce que qu'il est devenu, lui aussi, dépendant du commerce comme tout dans notre société de consommation l'histoire des jardins révèle un rapport constant entre le jardin et la contemplation philosophique. Le jardin d'Eden est le premier exemple d'un jardin en tant que métaphore complexe de quelque chose de plus grand - en l'occurrence les rapports entre l'être humain et Dieu (et sa nature). Dans la tradition européenne, les jardins étaient des endroits empreints d'une grande sacralité. c'est ce qui explique pourquoi dans les abbayes et les monastères, le jardinage était considéré comme une activité très sérieuses.

Cette tradition refait surface à notre époque, avec un glissement d'accent. La ferveur des moines pour leurs jardins a cédé la place à l'engouement du mouvement écologique qui œuvre en faveur de la préservation de sites nettement plus retirés et sauvages : des sites naturels privilégiés où l'intrusion de l'homme prend les allures d'une véritable profanation. Or quiconque se sent concerné par la nature ou la comprend et l'aime, doit pouvoir avoir l'occasion de la vivre de façon authentique. et même si les jardins peuvent paraitre trop ouvragés pour être naturels, ils sont l'interface entre le culturel et le naturel : un endroit où il y a un moyen de vivre en symbiose avec la nature sans lui porter atteinte.
A l'instant d'une galerie qui accueille des sculptures organiques, le jardin occidental a deux points communs ou complémentaires avec les sculptures de David Nash. Le premier est qu'ils se réfèrent tous deux à un passé a-spécifique. Le jardin renvoie au jardin d'Eden que personne n'a jamais vu, mais qui fait partie de l'imaginaire collectif. Les sculptures de Nash renvoient aux Rois et aux Reines, aux couples archétypaux, aux œufs, ainsi qu'à la croix en tant que symbole mathématique et religieux. Marqués par le cycle de saisons, synonyme de mort et de renaissance, les jardins nous parlent de leur passé, de même que dans les sculptures de Nash, les irrégularités du bois évoquent l'histoire d'une croissance. Le second point commun est que le jardin y se réfère, d'une part, à la culture humaine, et, d'autre part, à la nature et à l'inconnu. Ces deux perspectives - l'une du dedans et l'autre du dehors - se retrouvent également dans les sculptures de Nash qui, bien que façonnées par l'homme sont naturelles, qui bien que parlant de la nature sont "surnaturelles" et qui bien que prenant la nature pour modèle ne la représentent pas. Les jardins et les sculptures de David Nash sont un hommage à la nature - un hommage qui est toutefois lié à une transformation.
Et enfin, bien que dans ces jardins et dans ces sculptures, la nature soit évasive, il suffit parfois d'une lueur, ne fut-ce que fugitive et partielle, pour qu'elle se révèle à nous dans toute sa splendeur et toute son impondérabilité.
Le Parc Tournay-Solvay est-il donc un site approprié pour cette merveilleuse collection de sculptures ? Aujourd'hui, le Centre d'initiation à l'écologie établi dans les anciennes étables, opère suivant une double approche. D'une part, il s'attache à préserver le design paysager et l'architecture du parc et, d'autre part, elle s'emploie à préserver, voire améliorer la qualité écologique du site. Autrement dit, il embrasse une philosophie qui respecte à la fois l'histoire, l'esthétique et l'écologie. Dans cet environnement, les sculptures sont en équilibre avec l'écologie.

Qu'en est-il enfin de la troisième dimension de cette exposition, autrement dit de la structure originale de ce parc du dix-neuvième ? Le parc Tournay-Solvay est-il "nature" ou "artifice" ? Il est clair que l'évolution du parc est étroitement liée à l'intervention de l'homme - il est merveilleux exemple de l'architecture paysagère et de l'aménagement des espaces de la fin du dix-neuvième siècle. Le site a des connexions avec les abbayes de Boisfort et était autrement le point de ralliement des chasseurs de la foret de Soignes. Néanmoins, lorsqu'on considère son aménagement, on constate que ses architectes ont gravement porté atteinte à l'honneur, à la préservation et à la compréhension de la nature et ce, même si les normes de l'époque différaient de celles d'aujourd'hui. Pourtant, si l'on considère l'histoire du parc, on se rend compte que son architecte était animé par un réel souci de diversification et de préservation de l'environnement.
Dans cette vallée enchanteresse, Ernest Solvay a réalisé un ensemble harmonieux dans lequel les fleurs et les arbres, les taches d'ombre et de lumière, la terre et le ciel ont chacun voix au chapitre et qui, dans notre optique actuelle, force l'admiration du fait qu'il a élargi le champ de perception du monde. Cet "ouvrage" conjugue en effet des passages qui font écho à l'art paysager anglais avec des couleurs orientales d'arbres tels que les cerisiers du Japon et avec des formes typiquement françaises et italiennes. Chacune de ces facettes peu être lue comme une référence aux diverses "interprétations" de la complexité de la nature. En ornant, ce parc de plantes exotiques, Ernest Tournay a mis en évidence non seulement l'énorme diversification de la nature, mais également le contraste entre ces plantes "nouvelles" et les espèces locales qui prolifèrent "désordonnément" en dehors du parc.

Vers la moitié du dix-neuvième siècle, ce merveilleux site paysager, situé aux confins de la ville et de la campagne, est acheté par Ernest Solvay qui y construit un château en 1878. Jusqu'à la fin des années vingt, la propriété subira cependant encore différentes transformations, dont la plus marquante est certainement l'achat par Léopold II et Ernest Solvay, d'un terrain adjacent visant à préserver le domaine de l'expansion urbain de la fin du dix-neuvième siècle.
Après la mort de Thèrèse Tournay-Solvay en 1972, la propriété est vendue à une société immobilière. Celle-ci se voit cependant refuser tout droit de bâtir, les autorités voulant préserver le site et empêcher qu'il soit envahi par des constructions. En 1980, la propriété est rachetée par le Ministère des Affaires Bruxelloises. Cinq ans plus tard, la Région Bruxelles-Capitale décide d'investir dans le domaine. Une fois de plus, les nouveaux développements s'inscrivent dans le cadre de la préservation de la nature.
La nature est un système dynamique qui ne se laisse pas dominer par l'homme. L'injure du temps laisse partout des marques : il apporte le printemps, avec ses nouvelles pousses et ses fleurs, mais aussi l'hiver et ses violentes tempêtes qui érodent tout sur leur passage, dévalent les couleurs et gauchissent le tronc des arbres. Tel est le cycle de la vie et de la mort qui est l'essence de tout ce qui vit. La science et l'écologie nous expliquent ce phénomène dans un langage littéral. Le jardin nous en parle lui aussi, mais en des termes d'autant plus dramatiques qu'ils exacerbent la beauté et sa tragique précarité. David Nash nous entraine au cœur du problème, en nous confrontant avec la nature iconique et en combinant l'effroi mêlé de respect avec la dimension de la nature dans l'art.
Depuis l'arrivée d'Ernest Solvay sur ces lieux, un siècle et demi a passé et la nature a repris ses droits. Le jardin et l'écologie nous donnent l'occasion de comprendre la nature et de vivre de façon intense les prodiges de la botanique et de la création. le jardinier viendra pour y découvrir de très beaux spécimens horticoles et le naturaliste pour y contempler la flore aborigène. Mais pourquoi regarder d'une manière sélective si le Parc Tournay-Solvay nous offre "tout en un" ? Les enfants qui viennent jouer ici ne font pas de distinction entre les espèces végétales européennes et asiatiques. Ils réagissent tout simplement au miracle de la création, aux mystères du règne végétal qui offre un refuge aux insectes et aux animaux.
Dans le contexte de la nature, nous ne pouvons toutefois jamais perdre de vue qu'il est quelque chose qui se moque de l'écologie, à savoir : la mystérieuse force de la nature. C'est un mystère que David Nash illustre avec la même force dans ses œuvres.

Une rencontre aussi réussie entre la sculpture, l'écologie et l'art des jardins est à la fois inhabituelle et passionnante. Elle est également pertinente puisque l'histoire nous montre qu'ils partagent tous trois une même obsession : aller à l'essence de la nature. Nous sommes persuadés que vous partagerez notre avis si nous vous disons que cette exposition permet au Parc Tournay-Solvay de mettre l'ouvre fascinante de David Nash magnifiquement en valeur.
La nature est trop vaste pour qu'on puisse l'apprécier sans la distiller dans un philtre culturel : l'écologie, la sculpture et les jardins permettent tous trois d'infiltrer la nature. recevoir ce philtre si riche des mains de David Nash, est un véritable privilège.

Mauro Staccioli

2008-10-30T15:48:00.075+01:00

Par Simon du Chastel : [...] Mauro Staccioli est venu plusieurs fois étudier le parc, ses arbres et pelouses, s'initier à son histoire afin de concevoir plusieurs maquettes de l'implantation de ses sculptures à réaliser sur place. Dans le parc, on trouve de nombreux grands hêtres dont un rouge sur une grande pelouse à l'entrée du parc. C'est pour lui que Mauro Staccioli a conçu un grand triangle de 12 m de long , 6 m de haut et d'une épaisseur de 50 cm, qui part d'une pointe au ras du sol et s'appuie dans la fourche de l'arbre. Celle-ci est revêtue d'une couche de ciment granulé, captant la lumière et peinte en rouge foncé rappelant la couleur qu'employaient déjà les Estruques. Cette texture joue avec toutes les variations saisonnières des feuilles du hêtre pourpre : au printemps, rose puis rouge vineuse, en automne la trinité s'éclaircit et prend toutes les nuances du rouge. Cette masse énorme, soutenue par un seul point, donne au promeneur l'impression d'une grande légèreté, de pouvoir être emporté par le vent ou de s'écrouler sur lui. La question du précaire, de l'incertitude et même du danger est posée. Mais une autre préoccupation de Mauro Staccioli, est d'utiliser une forme connue : le triangle pour rappeler au public de très anciennes préoccupations déjà existantes chez les égyptiens puis chez les chrétiens où, "la triade" forme évoluée de notre façon de penser, a marqué toute notre civilisation et son concept de dialectique et de progrès.
Une autre œuvre située dans une prairie longue et pentue est composée de trois disques de 2,4 m sur 50 cm d'épaisseur posés à raz du sol que l'on a envie de pousser avec son petit doigt pour la voir rouler dans une vallée comme un cerceau; quelle tentation ...
Mais le rond, le cercle, n'est-il pas aussi : notre lune, notre soleil dont certains peuples sont encore responsables en pratiquant de sa renaissance quotidienne. La source de nos jeux et de nos courses et même de certaines de nos architectures n'est-elle pas dans le cercle ? Mais Mauro Staccioli s'il nous fait penser à l'histoire de nos racines et nous rejoint dans l'imagination de nos rêves de plénitudes nous pose aussi le problème du danger, de l'émotion poétique et de la sérénité qui sont parfois, confrontés au tourment, à l'inquiétude et au désordre.
En cela, il est bien le frère de nos grands artistes, tant du passé qu'actuels pour qui, le monde est perpétuellement à regarder et à sortir du chaos par la gérance intelligente d'une parcelle de notre univers qui est cependant insérée dans le tout.

Une géométrie de la Liberté par Tommaso Trini : ... Je voudrais aborder un problème qu'on laisse souvent tomber depuis quelques années, depuis que l'esprit avant-gardiste est terminé, depuis qu'il existe une modernité apparemment conclue, depuis qu'on parle d'une époque post-moderne. Je veux parler de la liberté, qui est la propriété nécessaire et fondamentale de toute création et surtout du travail de chaque artiste. Je pense qu'il faut retrouver cette notion, il faut retrouver cette pratique de se libérer des choses et de libérer les choses des autres aussi. J'ai pensé, avec des mots très simples, de voir comment, dans l'aventure de Staccioli, se dessine cette recherche de libération, de liberté. On peut parler d'abord de la liberté de s'opposer, de se défendre, et c'est, au niveau formel, la toute première partie de son œuvre. Deuxièmement, il y a une liberté - je ne parle pas de droit, mais de liberté - de se transformer, liberté de changer, car dans la création, il n'y a pas de droit, il n'y a que le "faire", que le pouvoir de faire les choses. Le troisième point est la liberté de s'épanouir et d'avoir des racines....

... Parmi la multiplicité des formes, la multiplicité des images que l'œuvre de Staccioli avait déjà acquises, on pouvait encore s'attendre à l'épanouissement d'une forme plus totale, celle de la sphère. J'ai aussi parlé de la possibilité d'une nouvelle dimension, qui est en réseau. Car si vous avez l'expérience de ces œuvres et de ces sculptures d'environnement, vous aurez remarqué que ce sont toujours de très pointues sculptures, dont on ne peut jamais dire vraiment, sauf lorsqu'on les voit sur un site spécifique, dans un lieu spécifique, si on a un style classique - peut-être que le triangle qui est au parc ici, à Bruxelles, est-il classique, dans l'esprit le plus populaire, bien sûr -, mais il y a d'autres travaux, d'autres pièces très importantes comme celles des arcs, des demi-cercles, des grandes demi-lunes qu'on voit à Séoul et partout dans les années 80.
Celles-là sont des formes qui seraient plutôt animistes, très subtiles, irrégulières. Bien sûr, il y a aussi un côté baroque qui est présent dans la fonction que ces objets assurent : au fond, ils ont aussi la fonction d'animer les lieux dans lesquels ils sont posés, un peu comme les machines de spectacle du baroque, qui donnent le mouvement à la statique de chaque lieu, et qui révèlent des choses que l'on ne voyait pas...

Activité de l'Espace Européen pour la Sculpture

2008-10-30T15:43:00.038+01:00

L'Espace Européen pour la Sculpture, asbl (anciennement Fondation Européenne pour la Sculpture) a été fondé par 40 personnalités culturelles européennes préoccupées de contribuer à favoriser une ouverture envers les régions d'Europe.
Il entend contribuer à la promotion des sculpteurs et de la sculpture à Bruxelles, en Belgique et hors frontières dans le domaine de l'art public principalement. Il dispose pour ses expositions du beau parc Tournay-Solvay à Boitsfort , espace superbement arboré d'espèces rares qui s'épanouissent sur un terrain vallonné, agrémenté d'étangs, de vergers, de potagers et d'une roseraie remarquable.

C'est dans ce lieu magique que l'Espace Européen pour la Sculpture exerce une action culturelle originale axée sur les créations contemporaines d'artistes qui possèdent une vue et un langage personnel de notre univers dans ses relations privilégiées avec la nature.
L'Espace Européen pour la Sculpture demande aux artistes ,
auxquels l'asbl donne "carte blanche", de concevoir et réaliser des œuvres sculpturales en dialogue avec l'environnement et l'histoire des lieux.

Depuis sa création en 1989, l'Espace Européen pour la Sculpture s'est fixée comme objectif de faire mieux connaitre à Bruxelles, cœur de l'Europe, des artistes-plasticiens des différents États membres de l'Union européenne, en proposant à un artiste ressortissant du pays qui exerce la Présidence de l'Europe , d'investir le Parc Régional Tournay-Solvay (l'un des plus beaux parmi les quelques cent parcs publics de la région Bruxelles-Capitale, situé à Watermael-Boitsfort, quartier résidentiel à la lisière de la forêt de Soignes).

L'Espace Européen pour la Sculpture, dont le siège de la création et conception des activités se trouve dans la "villa blanche " au centre du Parc. Sa vocation est de contribuer à l'établissement d'un dialogue entre art et nature dans un espace public.

Ces vingt dernières années, l'Espace a invité des artistes européens de renommée internationale.
En 1992, l'exposition inaugurale "des sculpteurs et des arbres" réunissait les sculpteurs belges Philippe le Docte, Anne Nuthals, Bob Verschueren, Jephan de Villiers et André Willequet.

Vincent Strebell représente la Belgique en 1993.
En 1994, l'artiste grec Costas Tsoclis installe son "Arche" et l'artiste allemand Bernd Lohaus expose cinq œuvres monumentales.
En 1995, Marie Bourget représente la France.
L'italien Mauro Staccioli réalise en 1996 des installations impressionnantes suivant sa conception de géométrie construite, dont l'une restera dans le parc jusqu'en l'hiver 2008, époque durant laquelle les tempêtes successives anéantirent ce triangle sur pointe qui demeure dans la mémoire de tous ceux qui l'ont connu et aimé.
Au printemps 1997, pour représenter les Pays-Bas, le choix se porta sur Clémence van Lunen. L'artiste luxembourgeois Jean de la Fontaine a installé son "camping d'amour" dans le parc l'automne de la même année.
En 1998, l'Espace a accueilli l'artiste gallois David Nash, dans le cadre de la présidence britannique. cette même année, Gerhardt Moswitzer représenta l'Autriche.
L'Allemagne a été présente dans le parc au printemps 1999 avec Stephan Balkenhol, et la Finlande en automne avec Pirkko Nukari.

A l'occasion de la présidence française de l'an 2000, Anne et Patrick Poirier ont utilisé la magie naturelle des lieux pour nous faire découvrir leur vision sublimée de ce paradis perdu aux portes de la Capitale belge.
Lors de la présidence belge 2001, le parc a accueilli les œuvres de Patrick Corillon, Jan Fabre et Bob Verschueren.

Sous la présidence espagnole en 2002, Jaume Plensa a réalisé dans le parc des interventions in situ, conjugaison qui a pris une signification complémentaire dans le lien avec la nature, d'émotion poétique, de sensibilité et un bagage imprégné de culture.

En octobre 2003, pendant la présidence italienne, Giuseppe Giunta, artiste originaire de Bologne nous proposait des monuments en forme d'abris, symbolisant la protection de la sacralité de la nature, des valeurs positives de l'homme et des joies d'un âge bienheureux, en utilisant la force expressive des matériaux.

En automne 2004, dans le cadre de la présidence néerlandaise de l'Union européenne, Hans Lemmen, sculpteur et dessinateur, a exposé "Mind the Gap" dans le Parc Tournay-Solvay. Le titre de l'évènement est lié à l'impossibilité pour l'homme de s'unir à la nature. Le parc même est le produit de ce "gap" formé par le concept d'une nature agréable pour l'homme. Six œuvres exprimant ce sentiment de grincement y ont été exposées.

En 2006, Sophie Nyns , sculpteur pétillante de malice et d'esprit s'emballe pour l'écrin de verdure du parc Tournay-Solvay et choisi d'y présenter son œuvre: des dames dodues, nues et ailées, toutes de bronze, des fleurs géantes en plexiglas, une libellule, un centaure, des torses d'hommes au sourire énigmatique de bronze, eux aussi... qui ajoutent leur obole à la magie somptueusement automnale du Parc.

4 octobre 2007 : vernissage de l'exposition "les Voix Nomades" de José de Gumarães, artiste transculturel, à l'occasion de la Présidence portugaise de l'Union européenne, sous le Patronage de Monsieur José Manuel Barroso, Président de la Commission européenne.
Une trentaine d'œuvres, de bronze, de d'acier et de néon, spécialement conçues à cette occasion d'après un poème de l'académicien belge Philippe Jones, illuminent le Parc Régional Tournay-Solvay.
Les mots ailés voltigent dans la poudre d'or des arbres.